Cannes Plakat 2012

Morgen ist es also wieder so weit: Das 65. Festival du Cannes (16.-29.5.) eröffnet mit Wes Andersons skurriler Ballade “Moonrise Kingdom”. Die Süddeutsche Zeitung machte deshalb heute schon mal mit Marylin Monroe auf der Seite eins auf, deren überproportionales “Happy Birthday”-Porträt gerade über den grauen Beton des Festivalpalais gezogen wird.

Doch noch ist in Cannes niemand zum Feiern zumute. Denn über das Wochenende ist in Frankreich eine heiße Debatte über den “Sexismus” des Festivals entbrannt. Den Stein ins Rollen brachte ein scharfzüngiger Artikel in Le Monde, unterschreiben von Virgine Despentes (“Bais moi”), Coline Serreau und Fanny Cottoncon, die sich bitter beklagen, dass alle 22 Filme im Wettbewerb von Männern stammen.

“The directors of the 22 films in competition this year are all, by happy coincidence, men. For the 63rd time in its existence, the festival will crown one of its own, defending without fail the virile values which are the nobility of the seventh art …

Once in 1993, the Golden Palm was awarded to a female director, Jane Campion. And in 2011, probably due to a lack of vigilance, four women featured among the 20 nominees in competition …

This year, gentlemen you’ve come to your senses and we are overjoyed. The Cannes Film Festival will allow Wes, Jacques, Leos, David, Lee, Andrew, Matteo, Michael, John, Hong, Im, Abbas, Ken, Sergei, Cristian, Yousry, Jeff, Alain, Carlos, Walter, Ulrich and Thomas to show one more time that “men like depth in women, but only in their cleavage.” (Quelle: Screen daily)

Das ist nicht nur verbal harter Tobak, auch wenn Thierry Fremaux schnell nachschob, dass doch in allen wichtigen Sektionen des Festivals sehr wohl Filme von Frauen vertreten wären: nämlich sieben (!) an der Zahl. Doch sein gewundenes Lamento, dass er als “Citizen” das Anliegen des Feminismus absolut unterstütze, als Festivalschef aber ausschließlich der Qualität verpflichtet sei, die durch jede Form einer Quotierung unterminiert werde, klingt wenig glaubwürdig: alle sieben Filmemacherinnen, deren Werke in diesem Jahr in den Nebenreihen zu sehen sind, kommen aus Frankreich. Honi soit qui mal y pense!

Das Thema “Sexismus” dürfte das Festival in Atem halten. Denn die Aktion wurde von “La Barbe” initiiert, einer streitbaren feministischen Grupppe, die zeitgleich eine Online-Petition (“Cannes 2012: Un homme est un homme”) lancierten, in der um öffentliche Unterstützung gebeten wurde.

Da  die großen Frauenzeitschriften wie “Gala”, “Elle” und “Au Feminin” sofort mitaufsprangen und die Petition auf ihren Webseiten verlinkten, zählt die Liste inzwischen weit über tausend prominente Unterstützer(innen).

Die Petition findet sich hier

Raoul & Lucille in love

Die Erwartungen waren zugegeben nicht sonderlich hoch… Wenn schon damit geworben wird, dass „Ein Monster in Paris“ vom Regisseur des nicht gerade überragenden „Grosse Haie – Kleine Fische“ sowie vom Produzenten Luc Besson gemacht ist, dürfte es sich einmal mehr um ein Film ohne Esprit und dafür mit vielen aufgesetzten coolen Sprüchen handeln.

Doch weit gefehlt: die originelle und gänzlich familientaugliche Animationsmischung aus „Das Phantom der Oper“, „Frankenstein“, „Die Fliege“ und „Dr. Jekyll & Mister Hyde“ bietet liebevolles Character-Design, schöne Computereffekte (die in 2D und 3D gleichermaßen wirken), amüsante Dialoge, gekonnte Pointen und eine durchaus originelle Geschichte: Im pulsierenden Paris zu Zeiten des Belle Époque lässt der schusselige Erfinder Raoul durch eine Unachtsamkeit einen winzigen Floh zu einem mannshohen Ungetüm mutieren, das die Stadt als ominöses Monster in Angst und Schrecken versetzt. Dabei entpuppt sich der Riesenfloh – wie Raouls Freundin Lucille bei einer ihrer Auftritte als Sängerin erkennt – als ein eher harmloser Zeitgenosse, der zudem ausnehmend gut singen kann. Doch wie überzeugt man die hysterischen Pariser davon?? Schade, das der europäische und der französische Trickfilm im Speziellen keine Lobby zu haben schein. Regisseur Bibo Bergeron hat nicht in Hollywood sondern in seinem Heimatland gedreht und so wird die Aufführung von „Ein Monster in Paris“ auf großer Leinwand wie hier auf dem Internationalen Trickfilmfest in Stuttgart die Ausnahme bleiben. Hierzulande ist er bereits auf DVD- und Blu-ray-Premiere in den Handel gelangt. Wirklich tragisch!

EIN LORAX FÜR’S KINDERZIMMER

The Lorax - Plakat Artwork

Einen großen Auftritt in den deutschen Kinos wird indes sicherlich das nächste Werk des „Ich – Einfach Unverbesserlich“-Regisseurs Chris Renaud erfahren, das in Stuttgart seine große Deutschlandpremiere erfährt. Zwar ist Dr. Seuss’ Buchvorlage zum Film „Der Lorax“ hierzulande nicht gerade ein Klassiker, der in jedem Kinderzimmer liegt, aber Filme wie „Der Grinch“ oder „Horton hört ein Hu!“ dürften die nötige Neugier auf das schüren, was denn um alles in der Welt ein Lorax ist. Es ist eine auf Teddybärgröße mutierte Fell-Jellybean mit putzigem Schnurrbart und hyperaktiven Gestus. Es ist ein Wesen, das für die Bäume spricht und längst aus jener Welt verschwunden ist, in dem der 12-jährige Ted sein Leben fristet. Dort in Thneed-Ville, ist die Natur aufblasbar und aseptisch und lebende Bäume wie die sagenumwobenen Truffula-Trees unbekannt und unerwünscht. Einem Tipp seiner Großmutter befolgend, verlässt Ted jedoch klammheimlich die Stadt und macht sich auf die Suche nach dem Hüter der Bäume und jenem, der für sein Verschwinden verantwortlich zeichnet.

Dr. Seuss’ Geschichten sind in Reimform gegossene radikale Pamphlete für eine bessere Welt. Kein Wunder, dass konservative Kräfte in den USA dem Film vorwerfen, er indoktriniere kleine Kinder (und zwar zum verantwortungsvollen Umgang mit der Natur!). Im aufgeklärten Westen könnte „Der Lorax“ im Gegenteil eher als ein wenig zu weichgespült empfunden werden. Denn Dr. Seuss’ grimmige Fabel vom Ende der Welt ist dank der implementierten Liebesgeschichte und der Blümchensongs und der allgegenwärtigen geistigen Zuckerwatte ein wenig zu bunt… zu orange geworden. Doch einige Sequenzen sind immer noch zum Schießen und etliche Details einfach zauberhaft, sodass man sich den Lorax als Plüschtier in alle Kinderzimmer wünscht, der dann allen Bewohnern ins Ohr flüstern möge, wie wichtig denn Naturschutz ist! Jörg Gerle

Ein wenig grenzwertig für ein Trickfilmfestival, aber unbestreitbar ein Event. Grenzwertig, weil, wie weiland bei „Avatar“, die Rahmenhandlung als Realfilm daherkommt. Doch das Abenteuer mit laut Werbetext „dem größten Budget der indischen Filmgeschichte“ macht specialeffectstechnisch dem großen Bruder Hollywood tüchtig Konkurrenz. Shah Rukh Khan spielt hier einen eher biederen Familienvater, der sein Geld zwar mit dem Entwickeln von Computerspielen verdient, aber dennoch bei seinem kleinen Sohnemann nicht gerade als der coolste aller Väter gilt. Das ändert sich schlagartig, als er in seinem neuen Games-Projekt Ra.One einen richtig furchteinflößenden Bösewicht designed, der nur von einem Superhelden (mit Khans Aussehen) in die Schranken verwiesen werden kann. Dumm nur, dass der Schurke sich vom Computer in Richtung Realität verselbstständigt.

Da muss Shah Rukh Khan nun “in Echt” ran, vom Schluffi zum Helden mutieren und Familie und Welt retten. Natürlich mit viel Tanz und Gesang, hautengen Klamotten, Glitzer auf der gestählten Brust und noch mehr Computereffekten. Die sind in der Tat ziemlich aufwendig und zudem gelungen (und kommen auf der großen LED-Leinwand auf dem Stuttgarter Schlossplatz plastisch und im wahrsten Sinn des Wortes „scharf“ rüber); der Rest ist… nun ja: Shah Rukh Khan! Die geneigte weibliche Klientel wird ihn auch weiterhin standhaft lieben… Jörg Gerle

P.S.: Ra.One erscheint ab 1. Juni bei REM auf DVD und Blu-ray

Funken fliegen dank Eva Green und Johnny Depp dabei kräftig. Der offensichtliche Spaß, mit dem die beiden Stars die Figuren der Kultserie aus den 1960er-Jahren zum Leinwand-Leben zu erwecken, trägt viel dazu bei, dass Burtons knallig-skurrile Hommage an die Serie bestens unterhält. Zwar ist „Dark Shadows“ wie auch schon „Alice im Wunderland“ (fd 39 777) und „Sweeney Todd“ (fd 38 582) keiner von Burtons substanzielleren, hintergründigeren Filmen und investiert eher wenig Ehrgeiz in eine originelle Story; aus den über 1.000 Folgen der alten „Gothic Soap“ mit ihren vielen Figuren und Verwicklungen destillierten die Drehbuchautoren einen eher schlichten Plot, in dessen Zentrum Barnabas’ Versuche stehen, die Familie zu retten und die junge Gouvernante des kleinsten Collins-Sprösslings für sich zu gewinnen. In dieser erkennt der Vampir seine einst von Angelique ermordete große Liebe wieder. Burtons Inszenierung begeistert sich mehr für die von Eva Green mit Gusto verkörperte, feurig-glamouröse Hexe als für die großäugig-fragile Naive, sodass deren „Love Story“ mit dem hüftsteif-hochnä‧sigen Vampir relativ anämisch bleibt, während die glühende Hassliebe von Hexe und Vampir das eigentliche Herzstück des Films abgibt. Damit karikiert „Dark Shadows“, ob freiwillig oder unfreiwillig, auch die verklemmte Romantik des derzeitigen Vampir-Hypes à la „Twilight“ – kulminierend in einem köstlichen übernatürlichen Liebesakt, bei dem der widerwillige Barnabas der fleischlichen Versuchung seiner Nemesis nachgibt und die beiden im Rausch der Leidenschaft Angels gesamte Inneneinrichtung inklusive der Glasbausteine in den Wänden demolieren.

Solche gelungenen Szenen, die Fülle an schrägen Details in den prachtvollen und anspielungsreichen Sets, Masken und Kostümen sowie der von Danny Elfman und Song-Klas‧si‧kern wie „Nights in White Satin“, „Superfly“ und „Crocodile Rock“ bestückte Soundtrack sind es denn auch, die den Film liebenswert machen. Zusammengehalten wird die zwischen Schauerromantik und Disco-Ära wildernde Revue von Johnny Depps Figur, einer herrlichen Fusion von Jonathan Frids Serienheld, Michael Jackson und der melancholisch-freakigen Attitüde der deutschen „Nosferatus“ Schreck und Kinski. Trotz eines ganzen Reigens hochkarätig besetzter Nebenfigu‧ren und Cameo-Auftritten von Alice Cooper und Christopher Lee ist „Dark Shadows“ weniger ein Ensemble-Film, eine Burton-Version der „Royal Tenenbaums“ (fd 35 300), als eine weitere Spielwiese des Gespanns Burton-Depp für die von beiden immer wieder in unterschiedlichsten Gewändern heraufbeschworenen Gestalt des lächerlichen, aber auch tragischen Sonderlings, die hier in Eva Greens Hexe ein „spiegelverkehrtes“ weibliches Gegenstück findet. Die Verbindung von Horror und Komödie fällt im Vergleich zu „Sleepy Hollow“ (fd 34 116) und „Sweeney Todd“ deutlich humorvoller und harmloser aus – der Travestie-Charakter, der schon in der Serie deutlich anklang, wird hier noch einmal ein gutes Stück forciert. Dabei übertrifft sich Burtons sicher nicht selbst, schafft es aber locker, dem zeitgenössischen Vampir-Kitsch breit lächelnd die Zähne zu zeigen. Felicitas Kleiner

Und hier unsere Kritik des Films

Und hier geht’s zu unserer Kritik

Und hier gibt es den Trailer:

Und hier geht’s zu unserer Filmkritik.

Wer nicht in Berlin wohnt und den Film trotzdem sehen möchte, braucht nicht zu verzweifeln; er geht auf Kinotour. Hier die bisher angekündigten Termine:

http://www.basisfilm.de/basis_neu/seite4.php?id=291&inhalt=termine

Und im kommenden fd bringen wir ein Interview mit Dirk Lütter.

Dreharbeiten zu "Titanic"

James Cameron hat in den letzten Jahren nie mit Kritik hinter dem Berg gehalten, wenn es darum ging, „seine Errungenschaft“, nämlich das richtige 3D, von all jenen Mogelpackungen abzugrenzen, die nach „Avatar“ in die Kinos gelangten. „I maintain you can’t do a good conversion (2D to 3D) of a two-hour movie with high quality in a few weeks like they tried to do with ,Clash of the Titans’“, hatte er noch im November 2010 gewettert und auch gegen Tim Burtons „Alice im Wunderland“ Front gemacht, den er als unmöglichen „3D“-Film geiselte.

Allerdings lässt ein kluger Geschäftsmann sich immer eine Hintertür für eigene Marketingstrategien offen: „My personal philosophy is that post conversion should be used for one thing and one thing only – which is to take library titles that are favorites that are proven, and convert them into 3D – whether it’s ,Jaws‘ or ,ET‘ or ,Indiana Jones‘, ,Close Encounters‘ … or ,Titanic‘.“Gesagt, getan! Doch Cameron hat sich viel Zeit gelassen, um seine nach „Avatar“ zweiterfolgreichste Produktion um eine weitere Dimension zu ergänzen. 60 Wochen Postproduktion waren nötig, um „Titanic“ in 4K zu digitalisieren und sorgfältig in 3D zu konvertieren, was knapp 20 Millionen Dollar verschlang. Deshalb soll nun, 100 Jahre nachdem das echte Schiff in den Fluten des Atlantiks versank, das Melodram noch ein Stück „authentischer“, „realistischer“ oder „greifbarer“ in die Kinos kommen (der Film läuft ab 5.4. in ausgewählten Kinos).

Doch die Marketing-Versprechungen trügen! Cameron und seine Computercrew haben sich zwar selbst übertroffen und den 15 Jahre alten Film stereoskopischer aussehen lassen als „Alice im Wunderland“ oder „Kampf der Titanen“. Immer wenn es galt, räumliche Tiefe zwischen Schiffsplanken, Holzvertäfelungen und das opulente Dekor der verschwenderischen Ausstattung zu bekommen, gelingt das Unterfangen. Doch auch Camerons nachgemachtes 3D hat seine Schwächen. Es passieren Flüchtigkeitsfehler, etwa bei dreidimensionalen Handkamera-Aufnahmen der Bergungsmannschaft; schwer wiegt, dass immer dann, wenn Figuren „amerikanisch“ oder „halbnah“ ins Bild rückt sind, diese wie leicht gekrümmte Papierfiguren wirken. „Titanic 3D“ ist vom „authentischen Bild“ genauso weit entfernt wie „Titanic“ in 2D; vielleicht sogar noch weiter, denn durch seine „Umformung“ im Computer ist der „Realfilm“ dem „Animationsfilm“ ein ganzes Stück näher gerückt. Das kann man als neue „Kunst“-Form mögen oder auch nicht. Fakt ist jedenfalls, dass auch ein James Cameron aus 2D nur „3D“ machen kann. Das dürfte Tim Burton beruhigen!