Paolo und Vittorio Taviani

Christian Petzold

Ursula Meier

Dass sich die Jury unter Mike Leigh entschieden hat, den “Goldenen Bären” an “Caesar deve morire” der Brüder Paolo und Vittorio Taviani zu vergeben, mag viele überrascht hatten – eine schlechte Entscheidung ist deshalb es nicht, auch wenn “Barbara” von Christian Petzold oder “L’enfant d’en haut” von Ursula Meier sicher auch würdige Anwärter gewesen wären. “Caesar deve morire”, ein semidokumentarisches Filmessay über Strafgefangene, die Shakespeares “Julius Caesar” einstudieren und aufführen, ist ein höchst unterhaltsamer, vielschichtiger, ebenso sprach- wie bildgewaltiger Film über die Kunst, die Liebe zur Freiheit und die Gefährdungen, die ihr und der Demokratie drohen. (Wer hätte gedacht, dass Shakespeare auf Italienisch so gut klingt?). Großartig schon der Einstieg: Er zeigt ein Casting, bei dem Sträflinge, die im Stück mitspielen wollen, eine Situation  in zwei verschiedenen Tonlagen spielen sollen – einmal wütend, einmal traurig -, woraus sich ein äußerst vergnüglicher Reigen aus urkomischen bis richtig ergreifenden Kurzauftritten gibt. Wozu braucht Italien eigentlich noch Schauspielschulen, wenn es solche Kriminelle hat?

Nach der Vorstellung der Darsteller inklusive der Gründe, warum sie im Gefängnis sitzen, schaut man den Männern dabei zu, wie sie sich ihre Rollen aneignen. Das ist nicht nur ein höchst spannender Prozess, sondern zugleich hoch dramatisch: Wenn in einem Innenhof des Gefängnisses der tote Caesar aufgebahrt liegt und erst Brutus und dann Antonius ihre berühmten Reden halten, während die Strafgefangegen aus den Zellenfenstern über dem Hof die Bürger Roms geben, dann möchte man am liebsten mitjohlen oder mitbuhen.

Der Übergang zwischen den verschiedenen Ebenen gestaltet sich fließend: die Sträflinge als Sträflinge, die Sträflinge beim Proben an verschiedenen Orten im Gefängnis, die zu Plätzen, Straßen und Palästen des alten Roms umgedeutet werden, die Sträflinge auf der Bühne.  Vermutlich sind die Szenen des Films, in denen die Gefangenen als sie selbst und nicht als altrömische Figuren zu sehen sind, wohl auch inszeniert; jedenfalls wirkten die Dialoge der Männer, mit denen sie den shakespeareschen Stoff mit der eigenen Biografie kurzzuschließen, zu gut und zu treffend, als dass sie spontane Äußerungen sein könnten.

Das muss dem Film aber nicht zum Nachteil gereichen; denn daraus entsteht gerade jene Dichte, die mit der Dramatik des Shakespeare-Stücks durchaus mithalten kann.

Es ist den Tavianis und vor allem auch den hervorragenden Protagonisten gelungen, den seit Pacinos “Looking for Richard” klügsten Shakespeare-Film der letzten Jahre zu inszenieren.

Goldener Bär: “Cesare deve morire” von Paolo & Vittorio Taviani

Großer Preis: “Csak a szél” von Bence Fliegauf

Silberner Bär: “Barabara” von Christian Petzold

Beste Darstellerin: Rachel Mwanza in “Rebelle” von Kim Nguyen

Bester Darsteller: Mikkel Boe Folsgaard in “En Kongelig Affaere”

Künsterlische Leistung: Lutz Reitemeier für “Bai lu yuan”

Drehbuch: Nikolaj Arcel, Rasmus Heisterberg (“En Koengelig Affaere”)

Alfred-Bauer-Preis: “Tabu” von Miguel Gomez

Sonderpreis: “L’enfant d’en haut” von Ursula Meier

Preise der unabhängigen Jurys:

FIPRESCI-Preis: “Tabu” von Miguel Gomez

Caligari-Preis: “Tepenin Ardi” von Emin Alper

Preis der Ökumenischen Jury: “Cesare deve morire” von Paolo & Vittorio Taviani

"Flying Swords Of Dragon Gate" in 3D

Jetzt hat die “Berlinale” also doch noch ihren Eklat – einen kleinen, aber immerhin. Eine Rolle spielt dabei das Kino “Cinemaxx 7″, in dem die begehrtesten Filme für die Presse gezeigt werden, nachmittags, wenn tatsächlich alle Kollegen zugegen sind! Im Vergleich zum “Berlinale”-Palast, wo tagsüber die weniger prominenten Wettbewerbsfilme laufen, verfügt das “Cinemaxx 7″ nur über ein Bruchteil an Plätzen. Überdies drängeln sich im Foyer des “Cinemaxx” auch die Zuschauer, die ins Kino 5 oder 6 wollen, während zur gleichen Zeit gerade 700 Akkreditierte nicht wissen, ob sie für das Kino 7 nun den linken oder den rechten Eingang nehmen sollen.

Wann gibt es endlich mal eine vernünftige Beschilderung für dieses vermaledeite Kino?

Dort fand auch die letzte Pressevorführung statt. Als unterhaltsamer Abschluss sollte der Martial Arts-Film „Flying Swords of Dragon Gate 3D“ von Tsui Hark laufen. Der lief auch, allerdings nur – oh Skandal – im chinesischen Original mit deutschen Untertiteln. Eine Handvoll italienische Kollegen verließen wutentbrannt und laut palavernd das Kino. Vielleicht sogar zu Recht, weil zu einem A-Festival eigentlich englische Untertitel gehören. Wer kann schon Mandarin oder Kantonesisch oder Deutsch?

Doch im Zeitalter der digitalen Reproduzierbarkeit hatte man schlicht die falsche Datei gestartet. Es dauerte 20 Minuten, bis man die Files mit den englischen “Subtitles” gefunden hatte und der Spaß richtig etikettiert fortgeführt wurde. Dabei hätte man die Untertitel auch ganz weg lassen können. Schließlich kämpft in diesem Historienschinken der Protagonist (Jet Li) gegen fiese Despoten. Alle, die mit Jet Li in den Kampf ziehen, sind die Guten, alle, die sich ihm entgegenstellen – verlieren!

Interessant war auch nicht unbedingt die Geschichte, sondern die Form. Denn der Film wurde, wie im Titel schon androht, in 3D projiziert. Als einer von sage und schreibe zwei (!) Filmen im Festival. Der andere war der aufgehübschte chinesische Kinder-Animationsfilmklassiker „The Monkey King“ (siehe Blog vom 12. Februar)

Der andere Film in 3D "The Monkey King"

Nur die Chinesen halten also der vielbeschworenen Zukunft des Kinos noch die Stange – kein Arthouse-Regisseur, kein Prestigeprodukt, nichts… Einige 3D-Filme gab es noch auf dem Filmmarkt – doch die sind höchstens was für die Videothekenregale.

Wenn in Mai beim Festival in Cannes nicht ein 3D-Knaller nach dem anderen kommt, darf getrost vom Ende des 3D-Kinos (zumindest für den Arthouse-Bereich) gesprochen werden. Denn ein Wenders und ein Herzog alle Jubeljahre reicht nicht mal fürs berühmte Strohfeuer.

Doch auch qualitativ war „Flying Swords of Dragon Gate 3D“ nicht der Rede wert. Zwar gab es zuhauf Geister- und Achterbahneffekte, sprich: haarsträubende Kamerafahrten aus dem Computer durch die Takelage ganzer Flottenverbände (das Publikum zog angesichts der Masten auch fleißig die Köpfe ein); auch wurde mit Schwertern und anderen spitzen Gegenständen grob fahrlässig Richtung Zuschauer gefuchtelt. Das macht Spaß, allerdings nur für Augenblicke! Der Rest erging sich in derart fahlen Farben (eine Schande, immerhin handelt es sich um einen chinesischen Kostümfilm), dass man liebsten gleich auf Schwarz/Weiß umgeschaltet hätte – dann wäre der Film auf wundersame Weise wieder en vouge gewesen.

Fazit: So ein 3D braucht kein Mensch – und das chronische “Cinemaxx  7″-Desaster auch nicht!

"Tepenin Ardi"

Das türkische Drama „Tepenin Ardi“ („Beyond the hill“) von Emin Alper ist der diesjährige Preisträger des Caligari-Preises. Der in mächtigen CinemaScope-Bildern fotografierte Film handelt von einem Besuch auf dem Land. Nurset, der Sohn des pensionierte Forstverwalters Faik, schaut bei seinem Vater vorbei, zusammen mit seinen Kindern Caner und Zafer. Doch die Stimmung ist gedrückt.

Faik hat Probleme mit Nomaden in der Gegend, er ist in ständiger Habt-Acht-Stellung. Zafer seinerseits ist seit seinem Militärdienst psychisch angeschlagen. In der kleinen Gruppe, die durch eine weitere Familie ergänzt wird, treffen nicht nur unterschiedliche Temperamente aufeinander, sondern auch soziale Schichten. Allerdings setzt man alles daran, Konflikte zu vermieden. Schuld sind immer die anderen, die Nomaden. Doch die bleiben ein unsichtbarer Gegner.

Dass der Film als bedrängende Parabel funktioniert, liegt nicht zuletzt an der grandiosen Westernlandschaft. Ständig begrenzen Felswände den Horizont, der Bewegungsradius ist stark eingeschränkt. Eine numinose Bedrohung liegt in der Luft. Das erlaubt der Inszenierung von Alper ein intelligentes Spiel mit Projektionen und Halluzinationen. Die eigene dunkle Seite wird abgespalten und auf die Anderen, „hinter dem Berg“, projeziert. Dieser Versuch, die eigenen Gruppe zusammenzuschweißen, verhindert jedoch keineswegs Dramen. Sie werden dadurch eher befördert.

Mit dem Caligari-Preis, den der Verband der kommunalen Filmarbeit zusammen mit dem FILM-DIENST verleiht, wird ein innovativer Film aus dem Programm des Internationalen Forums ausgezeichnet. Bisherige Preisträger waren “The Ballad of Genesis und Lady Jaye”, “La bocca del lupo”, “Love Exposure” und “Tirador”.

Als hätten es die Festival-Programmierer geahnt: Das Wetter wird sonniger und auf der Leinwand stehen die Zeichen auf Liebe. Allerdings machen die beiden Filme, die kurz vor Toresschluss mit euphorischen Gefühlen hantieren, noch lange keinen Sommer: “Cherry” von Stephen Elliott und “Love” von Niu Chen-Zer Doze, die nicht unterschiedlicher hätten ausfallen können.

“Cherry” ist ein amerikanischer Independent-Film, der nach ehrlichen, „authentischen“ Gefühlen sucht. Wo findet man die mehr als in der Pornobranche? Die 18-jährige Angelina möchte Geld verdienen und da sie unglaublich schön ist, liegt es zunächst auf der Hand, mit Nacktfotos, eine Job  im Night-Club und ersten Pornos mal richtig abzusahnen. Im Club lernt sie einen schönen, betuchten Unbekannten kennen und beginnt mit ihm eine zaghafte Beziehung. Am Set lernt sie aber auch eine nette Pornoregisseurin kennen, die ihr Leben auch von einer Krise durch die nächste laviert. Auch hier könnte es schon bald knistern.

Ein wenig „White Trash“-Tragik gepaart mit einem gewollt originellen Sujet und vielen tiefgründigen Blicken und Dialogen. Der Blick auf die betont lesbische Pornoszene mag  vorurteilsfrei sein (immerhin hat Porno-Aktrice Lorelei Lee am Drehbuch mitgeschrieben), ist inszenatorisch aber so gekünstelt, prüde und “sauber”, dass der „Playboy“ seine wahre Freude daran haben dürfte. Die hetero- und homosexuellen Liebesgeschichten versprühen den Charme von Off-Off-Broadway-Inszenierungen und bieten mehr unfreiwillige Komik als knisternde Erotik; erstaunlich ist, das talentierte Schauspieler wie Heather Graham, Lili Taylor und James Franco den Film mit ihrem Namen adeln (darstellerisch bekleckern sie sich indes nicht mit Ruhm). Regisseur Stephen Elliott (nicht zu verwechseln mit Stephan Elliott, der „Priscilla – Königin der Wüste“ inszenierte) präsentiert ein verkrampft-verkopftes Liebeskino ohne Hauch von Liebe – was  im Zweifel sogar intendiert war.

Ganz und gar konträr dazu: „Love“. Der Film potenziert das, was Hollywoods romantische Komödien so schwer erträglich macht, so lange, bis es schon wieder gut wird. Gleich drei Beziehungskisten werden in Niu Chen-Zer Dozes unbeschwerten Liebesreigen zu einer Art Episodenfilm verquickt. Doch Doze problematisiert nicht nur oberflächlich; Themen wie Abtreibung oder käufliche Liebe werden hier durchaus angerissen. Doch letztendlich dominiert das knallbunte Romanzenkino, wenngleich es nicht im totalen Happy End endet.

Vor allem inszenatorisch hat „Love“ einiges zu bieten: eine minutenlange, furios gestaltetete Plansequenz und virtuos verschränkte Liebesgeschichten, die wie durch ein „Wunder“ schlussendlich recht nahe beieinander liegen. Wer sich auf das Eye-Candy einlässt und zwei Stunden durchsitzt, wird mit einem seltenen Hochgefühl und guter Laune belohnt. Das ist auf der “Berlinale” kurz vor dem Kehraus ein wahrlich freudiges Ereignis.

So dramatisch der Stoff, so behäbig die Inszenierung. Herunter gerechnet auf ein Melodram um dörfliche Intrigen, Vater-Sohn-Konflikte und Liebeshändel, wird hier Geschichte mehr banalisiert als anschaulich gemacht.

Schwebend und zauberhaft hingegen „Postcards From des Zoo“ (Regie: Edwin). Grob skizziert, geht es um die Geschichte einer jungen Frau, die in einem Zoo in Jakarta aufgewachsen ist und dort lebt – bis eines Tages ein Zauberer in Cowboygestalt auftaucht, dem das Mädchen in die „freie Wildbahn“ der Stadt folgt. Dort schlagen sich die beiden mit Taschenspielertricks durch. Bis der Cowboy plötzlich verschwindet und das Mädchen in einem Massagesalon/Bordell Unterschlupf findet. Mit einer solche Inhaltsangabe ist allerdings noch nicht viel über diesen Film gesagt, der weniger eine handfeste Erzählung als eine magisch-realistische „zoologische Studie“ über das seltsame Treiben von Mensch und Tier ist (zwischen beiden wird hier kaum ein Unterschied gemacht); es geht ums Beobachten und nicht ums Beurteilen und erst recht nicht um die Konstruktion von Sinnzusammenhängen. Dafür begegnet der Film jeder einzelnen Spezies mit großer Zärtlichkeit.

Während in “Postcard From des Zoo” Tiger, Nilpferde, Orang Utans, Elefanten und vor allem eine Giraffe zu gleichwertigen Akteuren werden, setzt der portugiesische Film „Tabu“ von Miguel Gomes auf ein Krokodil: In der bislang skurrilsten Exposition dieses Wettbewerbs streift – in Schwarz-Weiß und von einer an Stummfilmbegleitung erinnernden Klaviermusik unterstützt – ein melancholischer weißer Forscher auf Expedition im Kongo umher, weniger auf der Suche nach etwas, als vielmehr auf der Flucht vor der Trauer um seine verstorbene Frau, die er im strengen viktorianischen Kleid immer noch vor sich sieht.

Schließlich hält der arme Expediteur seinen Kummer nicht mehr aus und wirft sich selbst einem Krokodil zum Fraß vor. Künftig können die kongolesischen Eingeborenen von einem melancholischen Krokodil berichten, das zu Füßen des Geistes einer Frau sitzt. Dem tragikomischen Auftakt folgt – vom Leitmotiv des Krokodils begleitet – ein Film über die Sehnsucht nach dem verlorenen Paradies. Der Titel nimmt dabei nicht zufällig Bezug auf Friedrich Wilhelm Murnaus gleichnamigen Stummfilm; er liefert eine Art Variation dazu. Auch hier geht es um eine verbotene, tragisch endende Liebe. Auf einem melancholischen, in Lissabon angesiedelten ersten Teil, der ganz von Nostalgie und Entsagung geprägt ist, folgt in Form einer im Kongo der Kolonialzeit spielenden Vorgeschichte die Beschwörung der lustvoll-dramatischen exotistischen Fantasie – allerdings nicht in direkter Form wie bei Murnau, sondern gebrochen als Off-Erzählung: das Paradies hat keinen Ort, sondern ist nur ein Konstrukt.

Der Film ist nicht mehr! – es lebe der Film!!

Haben wir das Ende des Films bereits verpasst? Wenn man Steven Soderbergh zuhört, scheint das so zu sein; schlimmer noch, niemand trauert ihm nach! Gemeint sind natürlich nicht die Bilder, die auf der großen Leinwand erscheinen, sondern das Trägermaterial. Denn immer weniger flackert es im Kino, immer weniger rattert der 35mm-Projektor. Vielmehr summt der Lüfter des digitalen Projektors. “Side by Side” von Chris Kenneally skizziert filmgeschichtlich-philosophisch den unaufhaltsamen Weg des Kinos ins digitale Zeitalter.

Die Digitalisierung, vom Zuschauer (wenn überhaupt) nur peu à peu und meist er mit der 3D-Brille wahrgenommen, ist bei der Produktion der Bilder längst Alltag. Filme werden kaum noch auf 35mm-Filmmaterial aufgenommen. Was, so Kameralegenden wie Andrezej Bartkowiak, Michael Ballhaus oder Anthony Dod Mantle, einschneidende Folgen im Produktionsprozess hat. Der Kameramann als Wächter über die Linsen und die mit ihnen eingefangenen Bilder ist ein Stück weit seiner Machtposition beraubt. Inzwischen kann der Regisseur dank kleinerer, hochauflösender Kameras sowie des Datenstroms schon am Set beobachten, was an Bildern entsteht – und diese augenblicklich korrigieren.

Für Apologeten des Digitalen wie Steven Soderbergh oder David Fincher ist das eine Offenbarung – in technischer und in künstlerischer Hinsicht! Denn dank der neuen Kamera von Arriflex oder Red Digital Cinema ist die Produktion von Bildern nicht mehr durch die Sperrigkeit des Apparates begrenzt. Ausgerechnet die skandinavische “Dogma”-Bewegung, insbesondere Thomas Vinterbergs „Das Fest“ (1998), hat den Hollywood-Regisseuren die Augen geöffnet, wie die Zukunft aussehen könnte. Ältere Filmemacher wie Martin Scorsese, David Lynch oder Barry Levinson sehen das ein weniger euphorischer, sondern differenzierter.

Regisseur Chris Kenneally sowie sein Conférencier, der telegene (und mitunter recht selbstverliebte) Fragensteller Keanu Reeves wissen dennoch, dass, bei allem Für und Wider, das alte Medium  vom Neuen weitgehend bereits abgelöst wurde. Diese Tatsache finden sie nicht weiter schlimm, solange die Tür zum “guten alten” Zelluloid nicht völlig versiegelt wird. Ein paar „Unverbesserliche“ gibt es ja noch: so drehte Christopher Nolan das Batman-Sequel „The Dark Knight Rises“ noch auf Filmmaterial!

Erstaunlicherweise argumentieren die „jungen“ Digitalfilmer in „Side by Side“ erstaunlich selten ästhetisch. Film ist eine sich ständig wandelnde Kunstform, und wer nicht mit der Zeit geht, verschwindet von der Bildfläche. Politisch wird es hier und da dann aber doch noch: wenn zum Beispiel von der Liberalisierung der Filmkunst durch die Digitalkamera geschwärmt wird und – Beuys lässt grüßen – davon, dass jeder ein Filmemacher werden kann. Wer braucht im Zeitalter von Laptop und YouTube noch eine Ausbildung an einer Filmschule? Wenn ausgerechnet ein Produzent wie Lorenzo Di Bonaventura („Transformers“, „G.I. Joe“, „R.E.D.“) dagegen hält und „Taste Maker“ fordert, die durch den wuchernden Film-Dschungel weisen, wird es sogar richtig kontrovers – allerdings nur für kurze Zeit, denn alles, was Keanu Reeves dazu einfällt, ist ein schlichtes „Wow!“.

Ein wenig oberflächlich fiel dann auch die Diskussionsrunde zu „Side by Side“ aus. Neben vielen Prominenten (u.a. Michael Ballhaus und Andy & Lana Wachowski) waren auch der Regisseur Chris Kenneally sowie Keanu Reeves zugegen. Doch leider dominierte wie so häufig, wenn Hochprominenz aus Hollywood in Berlin auftaucht, eher um Small Talk als um so wichtige Dinge wie etwa die Frage der Archivierung von Digitalfilmen und die Kompatibilität der Daten. Soderberghs Statement im Film, dass keine dieser Probleme schlimmer seien als ein Weiterarbeiten mit einer anachronistischen Technik, hätte einer pointierten Relativierung bedurft – angesichts der Gefahr, dass eines Tages sämtliche digitalen Filme verloren gehen könnten.

Der Film wird trotzdem wichtige Diskussionen anheizen. Denn Film ist tot – aber vielleicht doch noch nicht ganz!

"Death Row" von und mit Werner Herzog

Mit dem Todesurteil ist man bereits das erste Mal gestorben. Wenn man im Namen des Volkes dann in eine jener Zellen überstellt wird, die den zum Tode verurteilten Häftlingen mitunter über Jahre hinweg permanent daran erinnern, dass es jede Stunde soweit sein kann, dann stirbt man ein zweites, ein drittes Mal… Keiner hat das Recht, einen anderen Menschen zu töten – schon gar nicht im Namen irgendeiner Institution. Werner Herzog macht in “Death Row” kein Hehl daraus, dass er zu den Verfechtern einer weltweiten Ächtung der Todesstrafe gehört. Allenfalls im Zuge kriegerischer Auseinandersetzungen könnte er sich eine Ausnahme vorstellen, schränkt der Regisseur ein, als er nach seinem dreistündigen Dokumentarfilm über Menschen, die zum Tode verurteilt sind, die Fragen des Publikums beantwortete. Aber selbst das sei eine sehr, sehr schwierige Sache!

So beginnt auch jedes seiner vier 47-minütigen Filmsegmente mit einer Klarstellung: Eingedenk seines Gaststatus’ in den USA und da er sich als Deutscher eine besondere geschichtliche Verantwortung empfinde, spreche er sich explizit gegen jedes Töten von Menschen aus, ohne dass er deshalb Sympathien für jene hege, deren Taten monströs waren, deren Situation in der Todeszelle aber nicht minder monströs ist. Für seine Interviews hat er sich vier Todeskandidaten ausgewählt.

Herzog skizziert kurz ihren Fall,  er lässt Anwälte und Ankläger zu Wort kommen und stellt konzentriert und schnörkellos Fragen nach der Gefühlslage auf dem Weg in den Tod. Drei Männer und eine Frau sind es, mit denen sich Herzog beschäftigt. In einem Fall, bei dem sieben Häftlingen im Dezember 2000 unter spektakulären Umständen aus dem John Connally Gefängnis in Texas ausgebrochen sind,  befragt er gleich zwei der berühmt-berüchtigten „Texas Seven“.

Es sind allesamt sympathisch wirkende, mitunter sogar eloquente Todeskandidaten, deren Schuld nicht in allen Fällen zweifelsfrei bewiesen scheint. Fragen nach Schuld und Reue, Sympathie oder Abscheu stellt der Film aber nicht. Herzog bewegt vielmehr die Frage, ob durch die staatlich sanktionierte Entmenschlichung jener, die auf den Tod warten, der Gesellschaft ein Nutzen entsteht. Herzog zumindest kann keinen entdecken.

Auch Volker Schlöndorff stellt sich die Frage nach der Sinnlosigkeit des Sterbens, allerdings in einem ganz anderen Zusammenhang. Das besetzte Frankreich im Zweiten Weltkrieg; die Deutschen führen im Nordwesten des Landes ein eher beschauliches Regiment, bis ein deutscher Offizier einem kommunistischen Attentat zum Opfer fällt und Hitler daraufhin die Erschießung von 150 Häftlingen anordnet. Eine groteske Sühne. Unter den potenziellen Todeskandidaten ist auch der 17-jährige Guy Môquet, der wegen eine Lappalie einsitzt.

Es ist eines der wahnwitzigen Ereignisse in einem wahnwitzigen Krieg, das Schlöndorff zum Anlass nimmt, einmal mehr gegen den Wahnwitz in der Welt Stellung zu nehmen. Doch „Das Meer am Morgen“ gerät zu einem Film, der nicht viel mehr erzählt, als dass der Krieg schrecklich ist.  Schlechtes Theaterspiel, künstliches Set-Design, eine aseptische Kamera und eine wenig fokussierte Regie führen hier dazu, dass die Tragödie wie ein beiläufiges Ereignis erscheint. Im übertragenen Sinne wird umsonst gestorben. Dabei man muss gar nicht erst an Kubrick und „Wege zum Ruhm“ denken, um daran zu erinnern, wie niederschmetternd und nachhaltig verstörend Filme über absurde Befehle in einem absurden Aggregatzustand namens „Krieg“ in Szenen gesetzt werden können.

Dass der Tod hingegen bisweilen fast schon zwangsläufig „zum guten Ton“ gehört, zeigt „My Brother the Devil“. „Live Fast And Die Young“, steht auch in den englischen Suburbs immer noch an Hauswänden geschmiert. Regisseurin Sally El Hosani erzählt zunächst vom 19-jährigen Rashid und seinem 14-jährigen Bruder Mo. Der jüngere blickt zum älteren Bruder auf, der ein Gangsta-Image pflegt, Drogen vertickt und alles andere, was dazu gehört.

Wer und wann hier einen gewaltsamen Tod stirbt, ist die Frage. Doch Hosaini bricht das Verhängis ein Stück weit auf, zeigt Wege, wie man sich gegen den „Teufel“ wehren und auch in einem Klima gesellschaftlicher und sexueller Deprivation einen Ausweg finden kann. „Stark ist der, der seine Wut beherrscht“, heißt es einmal. Ein Satz, den man auf möglichst viele Häuserwände pinseln sollte! „My Brother the Devil“ ist ein harter, erwachsener Film für Jugendliche, die endlich zu denken anfangen sollten!

Nach der Hälfte der „Berlinale“ 2012 lässt sich bereits klar attestieren: Von dem kollektiven Unmut, der sich im vergangenen Jahr angesichts des allzu eintönigen Wettbewerbs breit machte, ist nichts mehr zu merken – dafür sorgen Highlights wie Christian Petzolds „Barbara“, Ursula Meiers „L’Enfant d’en haut“ oder die wunderbare Tragikomödie „Jayne Mansfield’s Car“ von und mit Billy Bob Thornton.„Jayne Mansfield’s Car“ erzählt eine Familiengeschichte aus dem Jahr 1969 in Alabama. Zur Beerdigung der Mutter kommen drei Generationen im Haus des grantelnden Patriarchen zusammen. Diese hat einst Mann, Tochter und drei Söhne verlassen, um in England mit einem neuen Mann und einer neuen Familie neu anzufangen.

Ihr Tod führt die britische Stiefverwandtschaft und die amerikanische Restfamilie zusammen, wovon keiner der beiden Verwandtschaftszweige sonderlich begeistert ist. Als Konfliktherd entpuppen sich indes nicht die britisch-amerikanischen Ressentiments, sondern die Generationenkonflikte zwischen enttäuschten Vätern und frustrierten Söhnen.

Zündstoff sind nicht zuletzt die Haltungen zum Krieg bzw. innere und äußere Verletzungen, die die Männer seit dem Ersten oder Zweiten Weltkrieg mit sich herum schleppen und ihre jeweilige Perspektive auf den Vietnam-Krieg prägen.

Obwohl dabei lauter Traumata verhandelt werden, die für ein herzzerreißendes Melodram herhalten könnten, ist der Film richtiggehend beschwingt: Thornton balanciert auf grandiose Weise Melancholie mit absurdem Humor aus, trumpft mit der sonnigen, pastell-hellen Sixties-Retro-Kulisse auf und macht hinter dieser Fassade allmählich die schmerzhaft-schwarzen Stellen in der Psyche seiner Protagonisten sichtbar.

Die einzige Pleite, die bislang im Wettbewerb lief, ist Zhang Yimous Epos „The Flowers of War“ über die Eroberung Nankings durch die Japaner, was nur halb so traurig wäre, wenn es nicht der einstmals große Zhang Yimou wäre, der diesen kitschigen, propagandistisch-sexistischen Unsinn verbrochen hat. Selbst ein simpler, nicht gerade origineller Genrefilm wie der spanische Mystery-Psychothriller „Dictado“ hat demgegenüber noch gewisse Meriten, etwa eine starke Kinderdarstellerin und soliden Unterhaltungswert dank routinierter Genre-Standards.

Der griechische Film „Meteora“ wiederum lieferte keinen Kommentar zur Schuldenkrise, sondern präsentierte eine archaische Schuld-Krise: Ein Mönch und eine Nonne, in zwei Klöstern auf zwei Felsgipfeln direkt gegenüber lebend, verlieben sich. Es entbrennt ein Kampf zwischen ihrer spirituell-geistlichen Existenz und dem kreatürlich-irdisch-erotischen Begehren. Was am Ende in der versöhnlichen Perspektive mündet, dass dem Menschen ein Leben in Fülle und keine Askese verheißen ist.

Erzählt ist das visuell durchaus ansprechend mit majestätischen Landschaftsaufnahmen, dokumentarischen Einsprengseln vom einfachen Landleben am Fuß der Klosterberge und schönen Animationssequenzen im Stil griechisch-orthodoxer Ikonenmalerei. Dennoch fragt man sich, ob es keinen brisanteren Stoff aus Griechenland gegeben hätte als diesen mystizistischen Wohlfühl-Stoff.

Für viele Kritiker war Brillante Mendozas „Captive“ eine Enttäuschung. Im Vergleich zu Mendozas meisterlichen Filmen „Kinatay“ und „Lola“ ist er eine durchaus schwächere Arbeit. Er irritiert jedoch primär dadurch, dass er die Geschichte einer Entführung mehrerer Touristen und Missionare durch Abu Sayyaf-Rebellen im Jahr 2001 erzählt, ohne sich für den islamistischen Terror und seine Hintergründe zu interessieren. Was der Film aber einmal mehr beeindruckend umkreist, ist das Thema, das Mendozas Werk maßgeblich prägt: Er beobachtet Leute in einer Situation, in der eine materialistische Logik, die Logik des Geldes, die Regeln vorgibt, womit sich die Betroffenen mitsamt ihren moralischen oder religiösen Standpunkte und Gefühlen arrangieren müssen.

Den Entführern geht es ums Lösegeld. Sie verschleppen ihre Opfer in den Dschungel. Monate vergehen, in der die Gruppe der Natur und den Gefahren der wild um sich schießenden staatlichen „Rettungstrupps“ trotzen muss – eine Extremsituation, aus der durchaus eine gewisse Nähe und Verständigung erwächst, die gegen die grausamen Vorgaben der Wirklichkeit aber nicht ankommen. Hier geht es zuallererst um Handel, ums Geschäftemachen; die Währungen sind Geld und Gewalt; alles andere wird dem angepasst und untergeordnet.

Außerdem im Wettbewerb um die „Bären“: „Caesar deve morire“ der Brüder Taviani. Ein Film, der vor allem in der Konkurrenz um den Preis für den besten männlichen Darsteller hohe Chancen hat. Es geht um die Insassen eines süditalienischen Gefängnisses, die Shakespeares „Julius Caesar“ inszenieren – und dabei eine so mitreißende Performance hinlegen, für die sie kollektiv den „Silbernen Bären“ verdient hätten.

Das Leben im Knast und die kriminellen Hintergründe der Akteure spielen dabei zwar eine Rolle, jedoch ist die Theaterinszenierung kein bloßer „Vorwand“, um sich der Knastrealität anzunähern. Im Mittelpunkt steht tatsächlich, ähnlich wie in Al Pacinos essayistischen Theaterfilmen „Looking for Richard“ und „Wilde Salome“, die Auseinandersetzung mit einem Stück dramatischer Kunst (damit auch: mit kondensierter menschlicher Erfahrung), das dabei äußerst anregend interpretiert wird. Auch auf der „Realitätsebene“: Wenn die Sträflinge das Stück kommentieren, es auf sich beziehen, ist das weniger eine Dokumentation als vielmehr eine klug verdichtete Inszenierung mit sich selbst spielenden Laiendarstellern.

Andrea Riseborough

Was für eine Performance! Egal, welche Regularien „Shadow Dancer“ nur „außer Konkurrenz“ in den Wettbewerb gebracht haben: sie sollten angesichts der Leistung von Andrea Riseborough ausgesetzt werden. Ihr und dem furiosen Schluss des Films, der aus einem recht engen, fast kammerspielartigen Thriller ein Epos des Bösen macht, sollten ein Sonderpreis für die „dunkle Seite“ verleihen werden, die hier so feengleich und unschuldig daherkommt – und dadurch noch abgründiger erscheint.

"Keyhole"

Es gibt viel von der „dunkeln Seite“ auf der Berlinale zu bestaunen. Etwa Guy Maddins „Keyhole“. Der kanadische Exzentriker, der seine Filme gerne schwarz/weiß, expressionistisch, stumm und vor allem entgegen den üblichen Erzählkonventionen gestaltet, schickt in seinem neuen „Hirn-Scan“ einen Helden namens Ulysses (!) auf eine abenteuerliche Reise durchs ewigen Zwielicht.

Ohne Chronologie, ohne Anfang und Ende, so, als müsste man die Gedanken des Protagonisten auflesen, die der Regisseur direkt aus dessen Kopf auf die Leinwand geschüttet hat. Der Blick durchs Schlüsselloch ist irritierend und anstrengend – und nicht unbedingt etwas für eine schon ausgelaugte Auffassungsgabe am fünf Tag des Festivalmarathons.

"Die Wand"

Wie eine Befreiung will da zunächst die Sommerfrische, das unbeschwerte Rauschen der Alpenwiesen und der Waldspaziergang jener Frau wirken, die im Zentrum von Julian Roman Pölslers „Die Wand“ steht. Doch es ist ein allzu schnell sich verflüchtigender Wunschgedanke, der für Augenblicke nicht wahrhaben will, wie düster, dunkel und nihilistisch bereits die ersten Sekunden in eine Geschichte führen, die in der apokalyptischen Vorstellung münden, auf ewig in einer Idylle gefangen zu sein. Denn eine unsichtbare, undurchdringliche Wand trennt das Areal vom Rest der anscheinend menschenleeren Welt. Die Frau ist fortan alleine im Jagdhaus oder oben auf der Alm. Nur zwei Katzen, eine trächtige Kuh und ein treuer Hund sind ihre Begleiter.

Die Handlung könnte direkt aus einem Stephen-King-Buch entsprungen sein, stammt aber aus dem gleichnamigen, bereits 1963 erschienenen Roman der Österreicherin Marlen Haushofer. Pölsler hat daraus einen meisterhaften Katalysator für Urängste und Hoffnungen gebaut. Getragen von atemberaubenden Bildern und einer Martina Gedeck, die man eindrücklicher nie gesehen und gehört hat (viele der Aufzeichnungen der Frau vernimmt man als innere Monologe aus dem Off). Es kann keinen dunkleren Film geben…